ОТВЕТЫ МХК

Вопрос №2: титаны эпохи Возраждения (Микеланджело)

Ответ: Микела́нджело де Франче́ско де Нери́ де Миниа́то де́ль Се́ра и Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни (итал. Michelangelo di Francesci di Neri di Miniato del Sera i Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni); 6 марта 1475 — 18 февраля 1564) — великий итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, мыслитель. Один из величайших мастеров эпохи Ренессанса.

Микеланджело родился 6 марта 1475 в тосканском городке Капрезе к северу от Ареццо, в семье обедневшего флорентийского дворянина Лодовико Буонарроти, городского советника. В некоторых биографических книгах говорится, что предком Микеланджело являлся некий мессер Симоне, происходивший из семейства графов ди Каносса.

В 1488 г. отец Микеланджело смирился с наклонностями сына и поместил его учеником в мастерскую к художнику Доменико Гирландайо. Он занимался там в течение одного года. Год спустя Микеланджело переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни, существовавшую под патронажем Лоренцо де Медичи, фактического хозяина Флоренции.

Б ИЛЕТ 14

Вопрос №1: Развитие русской иконописи ( )

Ответ:

По церковному преданию, икону написал евангелист Лука на доске стола, за которым ел Иисус с Марией и Иосифом.[источник не указан 478 дней] Согласно легенде, попала в Константинополь из Иерусалима в V веке при императоре Феодосии.

Появление на Руси

На Русь икона попала из Византии в начале XII века (около 1131 года) как подарок Юрию Долгорукому от Константинопольского патриарха Луки Хрисоверга. Вначале Владимирская икона находилась в женском Богородичном монастыре Вышгорода, недалеко от Киева. Андрей Боголюбский украл и вывез Вышгородскую икону Богоматери во Владимир (по которому она и получила нынешнее наименование) в 1155 году, где она хранилась в Успенском соборе[2].

[править]Переезд в Москву

«Сретение Владимирской иконы». XV век

Во время нашествия Тамерлана при Василии I в 1395 году чтимая икона была перенесена в Москву для защиты города от завоевателя[2]. На месте «сретения» (встречи) москвичами Владимирской иконы был основан Сретенский монастырь, давший название улице Сретенка. То, что войска Тамерлана без видимых причин повернули от Ельца обратно, не дойдя до Москвы, было расценено как заступничество Богородицы.

]Чудеса

Ещё два чудесных избавления от захватчиков произошли в 1451 году (нашествие ногайского царевича Мазовши) и в 1480 году (стояние на реке Угре).

Вопрос №2: Развитие русской портретной живописи 18 века

Ответ:

В России немалое значение имеет появления и развитие портретного жанра-это середина 18 века.

Тогда выделились три направления: Светский портрет, Парсуны, Россика.

Было три вида- камерный, парадный, интимный

БИЛЕТ 15

Вопрос №1: Соборная площадь Московского Кремля

Ответ:

Собо́рная пло́щадь — является историческим и архитектурным центром Московского Кремля. Её окружают Грановитая и Патриаршие палаты, Успенский собор, Архангельский собор, Благовещенский собор, Ризоположенская церковь и Колокольня Ивана Великого.

Планировка площади сложилась в XIV веке, когда были построены первые, не сохранившиеся до наших дней Успенский собор, Архангельский собор, церковь Иоанна Лествичника под колоколы. Позднее появился первый, примыкающий к великокняжескому дворцу Благовещенский собор, а в середине XV века Ризоположенская церковь. Нынешний облик площади сложился в конце XV — начале XVI века, когда соборы и церкви были выстроены заново, возведена Грановитая палата, а вместо церкви Иоанна Лествичника появилась Колокольня Ивана Великого, к которой позднее была пристроена звонница с церковью Вознесения. В 1600 году по велению царя Бориса Годунова колокольня Ивана Великого была надстроена до существующей высоты — 81 м.

Многие здания Соборной площади строились итальянскими зодчими — Аристотелем Фиораванти, Алевизом Новым, Боном Фрязином, Петром Малым, Марком Фрязином, Пьетро Антонио Солари. Поэтому на её облик большое влияние оказала архитектура итальянского Возрождения. Грановитая плата выстроена в стиле Флорентийского палаццо, а в обработке фасадов Архангельского собора обильно использован ренессансный декор. Псковские мастера построили Благовещенский собор и Ризоположенскую церковь.

С Соборной площадью связано множество исторических событий: в Грановитой палате принимались иностранные послы, проходили земские соборы. В Успенском соборе проходили коронации русских царей и императоров, а Архангельский собор служил им усыпальницей.

В 1812 году была взорвана примыкающая к колокольне Ивана Великого звонница, в 1814—1815 гг. она была восстановлена Жилярди по проекту И. В. Еготова и Л. Руска[1].

Красное крыльцо Грановитой палаты было снесено в 1930 по приказу И. В. Сталина, в 1994 году восстановлено.

Вопрос №2: Жанр – Балет

Ответ:

Бале́т (фр. ballet, от итал. ballo — танцую) — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. Чаще всего в основе балета лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец. Немаловажную роль здесь играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются также элементы гимнастики и акробатики. Балет требует выдержки и выносливости от В начале как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии, во Франции расцветает придворный балет как пышное торжественное зрелище. Началом балетной эпохи во Франции и во всем мире следует считать 15 октября 1581 года. Первый балет назывался «Комедийный балет королевы» (или «Церцея»), поставленный итальянцем Бальтазарини. Музыкальную основу первых балетов составляли народные и придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан Жоржем Новером. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах. любого человека, занимающегося им.

БИЛЕТ 16

Вопрос №1: Гаврюра. Виды печатной графики. Основные графические жанры (карикатура, плакат, книжная иллюстрация).

Ответ:

Гравю́ра (фр. gravure от нем. graben — копать или фр. graver — вырезать, создавать рельеф) — вид графического искусства, составная часть такого понятия как эстамп, подразумевающего создание разными способами оттисков с печатных форм. «Доски» — так именуются и металлические печатные формы; в цветной гравюре, кьяроскуро — несколько досок для тиражирования изображения путём печати (в том числе и ручной, например, притиркой — с маленьких досок) с её рельефных поверхностей (см. — Высокая печать). Каждый оттиск полученный с печатной формы считается авторским произведением (даже в тех случаях, когда доску нарезал гравёр по рисунку художника). Иногда, такие техники печатной графики как литография и шелкография ошибочно относят к гравюре. На самом деле, они являются видами эстампа, но не гравюры.

Карикатура (итал. caricatura, от caricare — нагружать, преувеличивать).

Сатирическое или юмористическое изображение, в котором комический эффект создаётся преувеличением и заострением характерных черт, неожиданными сопоставлениями и уподоблениями.

Жанр изобразительного искусства (обычно графики, но необязательно), являющийся основной формой изобразительной сатиры, в сатирической или юмористической форме изображает какие-либо социальные, общественно-политические, бытовые явления, реальные лица или характерные типы людей.

Плакат (нем. Plakat от фр. placard — объявление, афиша, от plaquer — налепить, приклеивать) — броское, как правило крупноформатное, изображение, сопровожденное кратким текстом, сделанное в агитационных, рекламных, информационных или учебных целях. (В другом значении — разновидность графики). В современном дизайне плакат воспринимается как «сведенное в четкую визуальную формулу сообщение, предназначенное современнику для выводов и конкретных действий». Данная формула отражает определенный уровень графического дизайна и информирует о предмете коммуникации [1].

Иллюстра́ция — визуализация, такая как рисунок, фотография или другая работа, создаваемая с целью выделить субъект, а не форму. Иллюстрации поясняют и декорируют текстовое содержимое книги, журнала, газеты.

Иллюстрации используются для: передачи эмоциональной атмосферы художественного произведения; визуализации образов героев повествования; демонстрации объектов, описываемых в книге (ботаническая иллюстрация); отображении пошаговых инструкций в технической документации (техническая иллюстрация).

Вопрос №2: Жанр-опера

Ответ:

О́пера (итал. opera — дело, труд, работа; лат. opera — труды, изделия, произведения, мн.ч. от opus) — жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки[1]. Литературная основа оперы — либретто. Слово «орега» в переводе с итальянского буквально означает труд, сочинение. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

Композитор пишет оперу на сюжет, взятый из литературы, например «Руслан и Людмила», «Евгений Онегин». Словесный текст оперы называется либретто.

БИЛЕТ 17

Вопрос №1: Жизнь и творчество И. С Баха.

Ответ:

Иоганн Себастьян Бах родился 31 марта 1685 года в Эйзенахе, маленьком захолустном городке Тюрингии, в одном из красивейших немецких краёв, в местах, издавна связанных с музыкой. Родина Лютера, арена революционной деятельности Томаса Мюнцера, Тюрингия никогда не была центром наиболее ожесточённых битв восставших крестьян и плебеев с феодалами. После Тридцатилетней войны, опустошённая и нищая, она превратилась в глухую и сонную провинцию. И всё же отзвуки и воспоминания о давно минувших славных событиях, несомненно, жили в народе. Но понадобилось и много времени и могучий гений, чтобы воскрешённые образы прошлого, так же, как и видения далёкого будущего, обрели художественное воплощение в искусстве Иоганна Себастьяна Баха.

Люнебург.

В 1700 году Иоганн Себастьян переселился в город Люнебург. Прекрасный голос, владение игрой на скрипке, органе, клавесине, помогли ему поступить в хор “избранных певчих”, где он получал небольшое жалованье. Здесь же, в Люнебурге, в 1703 году Бах закончил школу; он прекрасно учился и получил диплом, дававший право на поступление в университет. Но воспользоваться этим правом ему не удалось. Поставленный перед необходимостью самому себе обеспечивать свою жизнь, Бах должен был направить всё внимание и силы на совершенствование композиторского и исполнительского мастерства – единственного для него реального источника существования. На художественное развитие Баха учителя его детства не оказали влияния. Он сам везде находил и отовсюду извлекал лучшее и необходимое для своего музыкального образования. Жизнь музыкального искусства в его прошлом и настоящем служила ему композиторской школой. Изучение богатейшего наследия, творческое постижение современной ему музыки шлифовали и оттачивали музыкальные мысли и письмо Баха, помогали раскрыть самого себя, осознать свою творческую индивидуальность. Даже частые перемены службы имели свои положительные стороны, так как давали возможность узнавать новые художественные явления.

Вопрос №2: Фреска. Её особенности.

Ответ:

Фре́ска (от итал. affresco — свежий), aффреско — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность а секко (росписи по сухому). При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.

В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и т. д.). Для обозначения непосредственной техники фрески иногда используют наименование «буон фреска» или «чистая фреска». Впервые этот термин появился в трактате итальянского художника Ченнино Ченнини (1437). Иногда по уже сухой фреске пишут темперой.

БИЛЕТ 18

Вопрос №1: Жанр пейзажа в живописи.

Ответ:

Пейза́ж (фр. Paysage, от pays — страна, местность) — жанр изобразительного искусства (или отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа[1].

В зависимости от изображённого мотива можно выделить сельский, городской (в том числе архитектурный — ведута и индустриальный) пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии — морской пейзаж или марина. Кроме того, пейзаж может носить эпический, исторический, лирический, романтический, фантастический и даже абстрактный характер

Хотя пейзажные виды встречаются в картинах мастеров итальянского Возрождения, таких, как, например, Леонардо да Винчи и Джорджоне, впервые в европейской живописи чисто пейзажные композиции появились в работах мастеров нидерландского Возрождения середины XVI века, в первую очередь Иоахима Патинира и Херри мет де Блес.

Расцвет пейзажной живописи ознаменовало развитие пленэрного пейзажа, связанного с изобретением в XIX веке метода производства тюбиковых красок. Живописец мог работать вдали от своей мастерской, на природе, при натуральном освещении. Это значительно обогатило выбор мотивов, приблизило искусство к зрителю, дало возможность творцу трансформировать свои непосредственные эмоциональные впечатления в произведение живописи.

Если в прошлые времени, при господстве академизма, пейзаж относился к «низкому» (второстепенному) жанру живописи, то, особенно начиная с импрессионистов и поныне, это направление представлено в творчестве многих художников и пользуется непреходящим интересом любителей живописи. При взгляде на лучшие пейзажные произведения можно почти физически ощутить дуновение ветра, запах моря, тишину снега или шум листвы.

Вопрос №2: Символика православного храма

Ответ:

Зримое воплощение церковного символизма – православный храм, который представляет собой наиболее «открытую», осознанную, продуманную систему смыслов. Православный храм заключает в себе сложный, неисчерпаемый в своей обозримости символ. Исследователи В. Бобков и Е. Шевцов полагают, что поскольку «опыт религиозного сознания, по сути, есть акт откровения, идущий не снизу (от субъекта), но данный сверху – от Бога, то есть до конца непознаваемый и неописуемый, постольку онтологическим фундаментом православия является символизм»[1]. Поэтому, говоря о христианской символике, следует отметить, что понимание ее вне Церкви невозможно в принципе.

Соответственно, человек, желающий плотнее приобщиться к древнему преданию и традициям, должен, глядя на земное в сооружении храма, стараться видеть в нем небесное. Для этого у человека есть множество возможностей.

Архитектура, как и каждый вид искусства, имеет присущий ей профессиональный язык – язык архитектурных форм, неразрывно связанный с мировоззрением человека, с его духовным устроением. Именно поэтому смысл и значение архитектурных форм христианского храма можно уяснить, рассматривая храм в его идее – как плод домостроительства Божия на основании предания, бережно хранимого Церковью.

Как уже отмечалось выше, христианский храм – сложный символ, под видом земного приоткрывающий нам неизвестное Горнее. Расположение храма, его архитектура, убранство, система росписи символически выражают то, что непосредственно изобразить невозможно.

БИЛЕТ 19

Вопрос №1: Титаны эпохи возрождения (Леонардо да Винчи)

Ответ:

Детство

Дом, в котором жил Леонардо в детстве.

Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции в «три часа ночи» то есть в 22:30 по современному отсчёту времени. Отмечено в дневнике деда Леонардо, Антонио да Винчи (1372—-1468) (дословный перевод): «В субботу, в три часа ночи 15 апреля родился мой внук, сын моего сына Пьеро. Мальчика назвали Леонардо. Его крестил отец Пьеро ди Бартоломео». Его родителями были 25-летний нотариус Пьеро (1427—-1504) и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Первые годы жизни Леонардо провёл вместе с матерью. Его отец вскоре женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и Пьеро забрал своего трёхлетнего сына на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать её образ в своих шедеврах. Жил он в это время у деда. В Италии того времени к незаконнорожденным детям относились почти как к законным наследникам. Многие влиятельные люди города Винчи приняли участие в дальнейшей судьбе Леонардо. Когда Леонардо было 13 лет, его мачеха умерла при родах. Отец женился повторно — и снова вскоре остался вдовцом. Он прожил 67 лет, был четырежды женат и имел 12 детей. Отец пытался приобщить Леонардо к семейной профессии, но безуспешно: сын не интересовался законами общества.

Леонардо не имел фамилии в современном смысле; «да Винчи» означает просто «(родом) из городка Винчи». Полное его имя — итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, то есть «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».

Легенда о щите Медузы

В своих «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Вазари рассказывает, что как-то один знакомый крестьянин попросил отца Леонардо найти художника, чтобы тот расписал круглый деревянный щит. Сер Пьеро отдал щит своему сыну. Леонардо решил изобразить голову горгоны Медузы, а чтобы изображение чудовища производило на зрителей должное впечатление, он использовал в качестве натуры ящериц, змей, кузнечиков, гусениц, нетопырей и «прочих тварей» «из множества каковых, сочетая их по-разному, он создал чудовище весьма отвратительное и страшное, которое отравляло своим дыханием и воспламеняло воздух». Результат превзошёл его ожидания: когда Леонардо показал законченную работу отцу, тот испугался. Сын сказал ему: «Это произведение служит тому, ради чего оно сделано. Так возьмите же и отдайте его, ибо таково действие, которое ожидается от произведений искусства». Сер Пьеро не отдал работу Леонардо крестьянину: тот получил другой щит, купленный у старьёвщика. Щит же Медузы отец Леонардо продал во Флоренции, выручив за него сто дукатов[1]. По преданию, этот щит перешёл к семье Медичи, а когда он был утерян, полновластных хозяев Флоренции изгнал из города восставший народ. Через много лет кардинал дель Монте заказал картину с изображением Медузы Горгоны Караваджо. Новый талисман был преподнесён Фердинанду I Медичи в честь женитьбы его сына[2].

Мастерская Верроккьо

Мастерская Верроккьо находилась в интеллектуальном центре тогдашней Италии, городе Флоренции, что позволило Леонардо обучиться гуманитарным наукам, а также приобрести некоторые технические навыки. Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В мастерской, кроме Леонардо, обучались Перуджино, Лоренцо ди Креди, Аньоло ди Поло, работал Боттичелли, часто бывали такие известные мастера, как Гирландайо и др. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо.

В 1473 году в возрасте 20 лет Леонардо да Винчи получает квалификацию мастера в Гильдии Святого Луки.

Побежденный учитель

Картина Верроккьо «Крещение Христа». Ангел слева (левый нижний угол) — творение кисти Леонардо.

В XV веке в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Во Флорентийской Академии лучшие умы Италии создавали теорию нового искусства. Творческая молодёжь проводила время в оживленных дискуссиях. Леонардо оставался в стороне от бурной общественной жизни и редко покидал мастерскую. Ему было не до теоретических споров: он совершенствовал свое мастерство. Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.

Профессиональная деятельность, 1476—1513

В возрасте 24 лет Леонардо и ещё трое молодых людей были привлечены к судебному разбирательству по ложному анонимному обвинению в содомии. Их оправдали[3]. О его жизни после этого события известно очень мало, но, вероятно, у него была собственная мастерская во Флоренции в 1476—1481 годах.

В 1482 Леонардо, будучи, по словам Вазари, очень талантливым музыкантом[4], создал серебряную лиру в форме конской головы. Лоренцо Медичи послал его в качестве миротворца к Лодовико Моро, а лиру отправил с ним как подарок.

Личная жизнь

У Леонардо было много друзей и учеников. Что же касается любовных отношений, достоверных сведений на этот счёт нет, поскольку Леонардо тщательно скрывал эту сторону своей жизни. Женат он не был, о романах с женщинами достоверных сведений нет. По некоторым версиям, у Леонардо была связь с Чечилией Галлерани, фавориткой Лодовико Моро, с которой он написал свою знаменитую картину «Дама с горностаем». Ряд авторов, вслед за словами Вазари, предполагают интимные отношения с юношами, в том числе учениками (Салаи)[5][6][7], другие считают, что, несмотря на гомосексуальность живописца, отношения с учениками не были интимными.

Конец жизни

Кло-Люсе, место смерти Леонардо

Памятник Леонардо в Амбуазе

Леонардо присутствовал на свидании короля Франциска I с папой Львом X в Болонье 19 декабря 1515 года[8][9]. Франциск поручил мастеру сконструировать механического льва, способного ходить, из груди которого появлялся бы букет лилий.[10] Возможно, этот лев приветствовал короля в Лионе или использовался во время переговоров с папой.[11]

В 1516 году Леонардо принял приглашение французского короля и поселился в его замке Кло-Люсе, —- там Франциск I провёл своё детство, — неподалёку от королевского замка Амбуаз. В официальном звании первого королевского художника, инженера и архитектора Леонардо получал годовую ренту в тысячу экю. Никогда до этого в Италии Леонардо не имел звания инженера. Леонардо был не первым итальянским мастером, милостью французского короля получившим "свободу грезить, мыслить и творить" [12], — до него подобную честь разделяли Андреа Соларио и Фра Джованни Джокондо.

Во Франции Леонардо почти не рисовал, но мастерски занимался организацией придворных празднеств, планированием нового дворца в Роморантане при задуманном изменении речного русла, проектом канала между Луарой и Соной, главной двухзаходной спиральной лестницей в замке Шамбор. За два года до смерти у мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе 67-летний Леонардо провел в постели. 23 апреля 1519 года он оставил завещание, а 2 мая скончался в окружении учеников и своих шедевров в Кло-Люсе. По словам Вазари, да Винчи умер на руках короля Франциска I, своего близкого друга. Эта малодостоверная, но распространённая во Франции легенда нашла отражение в полотнах Энгра, Ангелики Кауфман и многих других живописцев. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз. На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства».

Основным наследником был сопровождавший Леонардо ученик и друг Франческо Мельци, который в последующие 50 лет оставался главным распорядителем наследства мастера, включавшего кроме картин инструменты, библиотеку и не менее 50 тысяч оригинальных документов на различные темы, из которых до наших дней сохранилась лишь треть. Другому ученику Салаи и слуге досталось по половине виноградников Леонардо.

Вопрос №2: Жизнь и творчество В.А. Моцарта

Ответ:

Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге, бывшем тогда столицей Зальцбургского архиепископства, теперь этот город находится на территории Австрии. На второй день после рождения он был крещён в соборе святого Руперта. Запись в книге крещений даёт его имя на латыни как Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. В этих именах первые два слова — имя святого Иоанна Златоуста, не использующееся в повседневной жизни, а четвёртое при жизни Моцарта варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, что значит «возлюбленный Богом». Сам Моцарт предпочитал, чтобы его называли Вольфганг.

Леопольд Моцарт

Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трёх лет. Его отец Леопольд был одним из ведущих европейских музыкальных педагогов. Его книга «Опыт основательной скрипичной школы» (нем. Versuch einer gründlichen Violinschule) была опубликована в 1756 году — в год рождения Моцарта, выдержала много изданий и была переведена на множество языков, в том числе и на русский. Отец обучил Вольфганга основам игры на клавесине, скрипке и органе.

В Лондоне малолетний Моцарт был объектом научных исследований, а в Голландии, где во время постов строго изгонялась музыка, для Моцарта было сделано исключение, так как в его необычайном даровании духовенство усматривало перст Божий.

Мария Анна Моцарт, старшая сестра Вольфганга Амадея

В 1762 году отец Моцарта предпринял с сыном и дочерью Анной, также замечательной исполнительницей на клавесине, артистическое путешествие в Мюнхен, Париж, Лондон и Вену, а затем и во многие другие города Германии, Нидерландов, Швейцарии. В этом же году юный Моцарт написал свою первую композицию. Всюду он возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из труднейших испытаний, которые ему предлагались людьми как сведущими в музыке, так и дилетантами. В 1763 году изданы в Париже первые сонаты Моцарта для клавесина и скрипки. С 1766 по 1769 годы, живя в Зальцбурге и Вене, Моцарт изучал творчество Генделя, Страделла, Кариссими, Дуранте и других великих мастеров. По заказу императора Иосифа II Моцарт за несколько недель написал для итальянской труппы оперу «Мнимая простушка» (итал. La Finta semplice), но певцам не понравилось сочинение 12-летнего композитора, их упорное нежелание исполнять оперу в конце концов заставило Леопольда Моцарта отступиться и не настаивать. В дальнейшем певцы будут постоянно жаловаться, что Моцарт в своих операх заглушает их «слишком массивным аккомпанементом»[2].

1770—1774 годы Моцарт провёл в Италии. В 1770 году в Болонье он познакомился с исключительно популярным в то время в Италии композитором Йозефом Мысливечеком; влияние «Божественного Богемца» оказалось столь велико, что впоследствии, по сходству стиля, некоторые его сочинения приписывали Моцарту, в том числе ораторию «Авраам и Исаак»[3].

В 1771 году в Милане, опять же при противодействии театральных импресарио, всё же была поставлена опера Моцарта «Митридат, царь Понтийский» (итал. Mitridate, Re di Ponto), которая была принята публикой с большим энтузиазмом. С таким же успехом была дана и вторая его опера, «Lucio Sulla» (Луций Сулла) (1772 год). Для Зальцбурга Моцарт написал «Сон Сципиона» (итал. Il sogno di Scipione), по поводу избрания нового архиепископа, 1772 год, для Мюнхена — оперу «La bella finta Giardiniera», 2 мессы, офферторий (1774 год). Когда ему минуло 17 лет, среди его произведений насчитывались уже 4 оперы, несколько духовных сочинений, 13 симфоний, 24 сонаты, не говоря о массе более мелких композиций.

В 1775—1780 годах, несмотря на заботы о материальном обеспечении, бесплодную поездку в Мюнхен, Мангейм и Париж, потерю матери, Моцарт написал, среди прочего, 6 клавирных сонат, концерт для флейты и арфы, большую симфонию № 31 D-dur, прозванную Парижской, несколько духовных хоров, 12 балетных номеров.

В 1779 году Моцарт получил место придворного органиста в Зальцбурге (сотрудничал с Михаэлем Гайдном). 26 января 1781 года в Мюнхене с огромным успехом была поставлена опера «Идоменей», обозначившая определённый поворот в творчестве Моцарта. В этой опере видны ещё следы староитальянской opera seria (большое число колоратурных арий, партия Идаманта, написанная для кастрата), но в речитативах и в особенности в хорах ощущается новое веяние. Большой шаг вперёд замечается и в инструментовке. Во время пребывания в Мюнхене Моцарт написал для мюнхенской капеллы офферторий «Misericordias Domini» — один из лучших образцов церковной музыки конца XVIII века.

Умер Моцарт 5 декабря 1791 года примерно через час после полуночи (на тридцать шестом году жизни). Причина смерти Моцарта до сих пор является предметом споров. Большинство исследователей считает, что Моцарт действительно умер, как это и было указано в медицинском заключении[11], от ревматической (просовидной) лихорадки, возможно, осложненной острой сердечной или почечной недостаточностью. Знаменитая легенда об отравлении Моцарта композитором Сальери и сейчас поддерживается несколькими музыковедами, но сколько-нибудь убедительные доказательства этой версии отсутствуют[12][5]. В мае 1997 года суд, заседавший в миланском Дворце правосудия, рассмотрев дело Антонио Сальери по обвинению в убийстве Моцарта, вынес ему оправдательный приговор[13].

БИЛЕТ 20

Вопрос №1: Фреска. Ее особенности.

Ответ:

Вопрос №2: Жизнь и творчество Л. В. Бетховена

Ответ:

Людвиг ван Бетховен родился в декабре 1770 года в Бонне. Точная дата рождения не установлена, предположительно это 16 декабря, известна лишь дата крещения — 17-ого декабря 1770 года в Бонне в католической церкви Св. Ремигия. Его отец Иоганн (Johann van Beethoven, 1740—1792) был певцом, тенором, в придворной капелле, мать Мария-Магдалина, до замужества Кеверих (Maria Magdalena Keverich, 1748—1787), была дочерью придворного шеф-повара в Кобленце, они поженились в 1767 году. Дед Людвиг (1712—1773) служил в той же капелле, что и Иоганн, сначала певцом, басом, затем капельмейстером. Он был родом из Мехелена в Южных Нидерландах, отсюда и приставка «ван» перед фамилией. Отец композитора хотел сделать из сына второго Моцарта и стал обучать игре на клавесине и скрипке. В 1778 году в Кёльне состоялось первое выступление мальчика. Однако чудо-ребёнком Бетховен не стал, отец же перепоручил мальчика своим коллегам и приятелям. Один обучал Людвига игре на органе, другой — на скрипке.

В 1780 году в Бонн приехал органист и композитор Кристиан Готлоб Нефе. Он стал настоящим учителем Бетховена.[2] Нефе сразу понял, что у мальчика талант. Он познакомил Людвига с «Хорошо темперированным клавиром» Баха и произведениями Генделя, а также с музыкой старших современников: Ф. Э. Баха, Гайдна и Моцарта. Благодаря Нефе, было издано и первое сочинение Бетховена — вариации на тему марша Дресслера. Бетховену в то время было двенадцать лет, и он уже работал помощником придворного органиста.

После смерти деда материальное положение семьи ухудшилось. Людвигу пришлось рано бросить школу, но он выучил латынь, изучал итальянский и французский, много читал. Уже став взрослым, композитор в одном из писем признался[3]:

Не существует сочинения, которое было бы для меня чересчур учёно; не претендуя ни в малейшей степени на учёность в собственном смысле слова, я всё же с детства стремился понять сущность лучших и мудрейших людей каждой эпохи.

Среди любимых писателей Бетховена — древнегреческие авторы Гомер и Плутарх, английский драматург Шекспир, немецкие поэты Гёте и Шиллер.

В это время Бетховен начал сочинять музыку, но не спешил печатать свои произведения. Многое написанное в Бонне впоследствии было им переработано. Из юношеских сочинений композитора известны три детские сонаты и несколько песен, в том числе «Сурок».

В 1787 году Бетховен посетил Вену.

Бетховен умер 26 марта 1827 года. Свыше двадцати тысяч человек шло за его гробом. Во время похорон была исполнена любимая заупокойная месса Бетховена Реквием до-минор Луиджи Керубини.

БИЛЕТ 21

Вопрос №1: Композиция картины. Основные композиционные фигуры.

Ответ:

Композиция

(от лат. compositio - составление, сочинение), 1) построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением и во многом определяющее его восприятие. Композиция - важнейший организующий компонент художественного произведения, придающий ему целостность, соподчиняющий его элементы друг другу и целому. Законы композиции в художественном произведении, складывающиеся в процессе художественного осмысления действительности, в той или иной мере отражают объективные закономерности реального мира. Эти закономерности выступают в образно-претворённом виде, связанном со спецификой того или иного вида искусства, художественной идеей, материалом произведения и др., отражающем эстетические принципы эпохи, стиля, художественного направления.

Основные композиционные фигуры-это геометрические фигуры

Вопрос №2: Классицизм. Характерные особенности стиля.

Ответ:

Классици́зм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв.

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же идеями в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций).

Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Как определенное направление классицизм сформировался во Франции, в XVII веке. Французский классицизм утверждал личность человека как высшую ценность бытия, освобождая его от религиозно-церковного влияния.

Содержание